Jak wyglądają talerze i jak grać na instrumencie?

Widząc ten instrument jako część grupy muzycznej, nie każdy od razu będzie gotowy do wypowiedzenia jego nazwy. Talerze tak naprawdę nie są najpopularniejszym i popularnym typem instrumentów perkusyjnych i smyczkowych w naszym kraju, choć należą do jednych z najstarszych.

Instrument ten należy do klasy perkusji smyczkowej, jest podtypem chordofonów. To wygląda tak:

• korpus typu płaskiego ma kształt zbliżony do trapezu, są pokłady;
• najczęściej wykonany z drewna;
• struny stalowe są naciągnięte, istnieje kilka grup strun, które brzmią organicznie, zgodnie;
• struny basowe mają miedzianą powierzchnię, mają też kilka grup pracujących unisono;
• do gry wymagane są drewniane młotki.

Instrument ludowy posiada szereg cech:

• brak wyciszania otwartych strun;
• wyraźna funkcjonalność obu rąk podczas wydobywania dźwięku: prawa do grania melodii, lewa do akompaniamentu;
• młotki nie są osłonięte;
• podczas występu instrument kładzie się albo na kolanach, albo na specjalnej konstrukcji - zawieszeniu;
• dno waha się od 75 do 115 cm;
• góra - od 51 do 94 cm, bok - od 25 do 40 cm;
• narzędzia są dość kompaktowe, uzupełnione paskiem, za pomocą którego odbywa się zapinanie.

Gatunek ten jest najbardziej rozpowszechniony we wschodniej części kraju, szczególnie popularne są talerze węgierskie. Wyróżniają się tym, że są częścią sztuki ludowej. W każdym zespole narodowym są cymbały. Wersja akademicka ma następujące cechy i wymiary:

• forma tradycyjna;
• dół - 1 m, góra - 60 cm, strefa boczna - 53,5 cm;
• pokład korpusu ma otwory rezonansowe;
• na pokładzie znajduje się 6 stójek, które dzielą struny na interwały;
• rzędy strunowe 29;
• w każdym rzędzie znajdują się 2 lub 3 struny;
• tunery pozwalają nastroić rzędy strun;
• jest pedał tłumika, który spowalnia wibrujące struny i tłumi dźwięk;
• sama bryła modeli akademickich wykonana jest z materiału klonowego, płyta rezonansowa wykonana jest ze świerku górskiego.

Bliski Wschód jest uważany za miejsce narodzin instrumentu, pojawił się w czasach starożytnych. W IV wieku pne ludzie grali na czymś bardzo podobnym, archeolodzy znaleźli szczątki rzeczy w starożytnej strefie sumeryjskiej. Obrazy podobnych narzędzi na ceramice i płaskorzeźby z IX wieku dostarczają dodatkowych dowodów na to, że czynele miały swoich poprzedników.

Stopniowo instrument muzyczny zaczął podbijać świat, był obecny w kulturze ludów azjatyckich, afrykańskich, europejskich. Miała swoją nazwę wśród różnych ludów: dalsima, santur, kanun. Ale na większości terytoriów Europy Wschodniej nazywa się to cymbałami. Instrument ludowy stopniowo zmieniał swój wygląd, uzupełniał, ulepszał, wielu mistrzów go sfinalizowało. Instrument upowszechnił się w XV-XVI wieku, kiedy zyskał uznanie wśród mieszkańców nie tylko małych wsi, ale także dużych miast. Wszedł w modę ucząc szlachtę wykonywania muzyki w domu.

Nic dziwnego, że wkrótce do tej muzyki odbywały się festyny ​​i uroczystości, wesela, a potem uroczystości pałacowe. Już w XVIII wieku instrument ten był często wykorzystywany do poważnych kompozycji: oper, symfonii. Uważa się, że przełom w wymianie cymbałów nastąpił w drugiej połowie XIX wieku, kiedy to nastąpiła radykalna zmiana konstrukcji. Węgierscy rzemieślnicy mogli dokonać następujących ulepszeń, które zmieniły losy instrumentu:

• dodano liczbę ciągów;
• rama została znacznie wzmocniona;
• pojawił się szczegół, który pozwala wyciszyć dźwięk strun;
• podstawa została zamontowana na nogach w ilości 4 szt.

Na tej podstawie powstał później nowoczesny instrument koncertowy. Do tej pory jest szeroko stosowany w orkiestrach i zespołach w wielu krajach Europy. Na początku XX wieku cymbały zostały ostatecznie zmodernizowane na Białorusi, gdzie zyskały status narodowych regaliów kulturowych. W tym samym czasie powstały instrumenty cymbałowe, które tworzyły ludową orkiestrę tego kraju.

Instrumenty ludowe i profesjonalne brzmią inaczej, ale wydobywają z nich dźwięk w jeden sposób – za pomocą drewnianych młotków. W zwykłych ludziach nazywa się je haczykami. Wykonawcy każdego rodzaju muzyki trzymają haki równo między dwoma palcami, podczas gdy reszta jest zaciśnięta razem. Ponieważ kije populistów nie są platerowane, dźwięk powstaje w wyniku kontaktu metalu z drewnem.

Dla klasycznych wykonawców koncertowych wykonanie jest skomplikowane, więc haczyki są pokryte zamszową tkaniną. Ponadto stosuje się niewielką ilość waty. To właśnie obudowa jest głównym niuansem w wydobywaniu dźwięku z instrumentu muzycznego. Na przykład sztywność obudowy prowokuje szorstki dźwięk, pękanie miękkością prowadzi do rozmycia, rozmycia przytłumionego dźwięku.

W następnym filmie możesz odkryć wyjątkowy dźwięk talerzy.

Istnieją dwa rodzaje instrumentów: ludowy i koncertowy (akademicki). Ta jednostka jest najważniejsza.Ale opcje ludowe mają znaczne różnice, ponieważ każdy kraj miał własne zasady i standardy produkcyjne. Różnią się również modele orkiestrowe i ludowe. Wariacje folklorystyczne mają 2 lub 3 tryby, na przykład bas i wokal. Trybuny dzielą smyczki na kwinty, kwarty, które tworzą brzmienie w wersji trzyrejestrowej.

Profesjonalne instrumenty mają 6 statywów, z których 2 są główne, a pozostałe dodatkowe (dolne i górne). Są one również podzielone interwałami, ale już na kwinty, tercje, sekundy. Rodzaje różnią się nie tylko liczbą strun, ale także długością i przekrojem. W instrumencie ludowym zakres dźwięków jest ograniczony do dwóch oktaw lub nieco więcej. Akademicki ma szersze możliwości, wiele dźwięków jest chromatyzowanych.

Wyróżnia się następujące podgatunki talerzy:

• węgierski (największy);
• santur (popyt w krajach Wschodu);
• Appalachów (popularny na kontynencie amerykańskim, wąski, o owalnym, eliptycznym kształcie).

Dawniej granie na talerzach ograniczało się do wydobywania najprostszych kombinacji dźwięków i elementarnych melodii, teraz mają ogromne możliwości brzmieniowe. Istnieje wiele różnych technik, technik wykonawczych.

W popularnej wersji główną techniką wydobycia dźwięku jest nadal uderzenie w przyspieszonym lub spowolnionym tempie. Jest to najprostsza technika, która polega na jednorazowym uderzeniu w materiał struny. Z uderzenia rodzą się alikwoty, nakładają się na siebie, dźwięk wibruje i układa się w melodię. Uderzeniem może być ciężar lub nadgarstek, w zależności od stopnia uderzenia. Typy te są ze sobą ściśle powiązane, używane łącznie, przekazując sobie dominantę.

Uderzenie może wytworzyć zarówno osobny dźwięk, jak i akord skomplikowany rytmem, barwą, dynamiką. Najczęściej bity w tym przedstawieniu są szybkie. Powolne służą do tworzenia uroczystych i dostojnych melodii. Ta technika może być używana zarówno do szydełka przyciętego, jak i gołego, po prostu odwracając młotek. Uderzenie może również wydawać dźwięk podobny do dźwięku kastanietów, w tym celu młotek jest skierowany na krawędź pokładu.

Inną popularną techniką jest kilkakrotne powtórzenie dźwięku, w tym celu naprzemiennie haczyki. Jego celem jest tworzenie nieprzerwanego dźwięku. Technika ta umożliwiła uzyskanie gładszego dźwięku z efektem jittera. Wykorzystują ją w praktyce akademickiej. Tę technikę można opanować tylko przez profesjonalne tworzenie muzyki. Uderzenia podczas drżenia są zwykle typu nadgarstkowego, tak szybkie i płynne, jak to tylko możliwe. Technika jest stosowana w różnych odstępach czasu, może występować w wersji krótkiej lub długiej.

Technika pizzicato oskubana jest wykonywana dwoma metodami: palcami i paznokciami. Druga opcja pozwala szarpnąć pojedynczą strunę i wydobyć dźwięk o średniej głośności. Możesz także szarpać wiele strun, aby uzyskać głęboki, jasny dźwięk. Odbiór poduszek ma również podgatunki: elastyczna jest potrzebna do gęstego dźwięku, miękka - do delikatnego. Ta technika jest bardzo wyrazista i szeroko stosowana. Kilka dźwięków można zademonstrować dwiema rękami.

Stosunkowo nowa technika na talerze, polegająca na wydobywaniu dźwięku najlżejszym dotknięciem palca do struny i jednoczesnym uderzaniu drugą ręką. Możliwe jest wyodrębnienie różnych wariacji dźwięków, najjaśniejszych - oktawowych i dwuoktawowych. Ta technika jest odpowiednia do grania w umiarkowanym tempie, ponieważ istnieją pewne ograniczenia w tym zakresie.

Wytwarza suchy, przytłumiony dźwięk. Metoda ta zaczęła być również stosowana na tym instrumencie nie tak dawno temu. Celem tej techniki jest zaciśnięcie sznurka jednym palcem i uderzenie w haczyk drugą ręką. Palcem nie da się zbytnio ruszać, ale pozwala to na wydobycie szerokiej gamy wariacji dźwięków: bardziej miękkich, jaśniejszych, bardziej miękkich.

Jest często używany w przedstawieniach folklorystycznych. W tym samym czasie dźwięki są emitowane kolejno w górę lub w dół. Czasami jest to prawie cała gama akordów. Im wyższe umiejętności cymbalisty, tym częściej może zmieniać akordy, tłumić je bez nakładek.

Jedna z najbardziej ekspresyjnych technik, charakteryzująca się przesuwaniem w przejściach między dźwiękami. Szybowanie można wykonać za pomocą gwoździ, palców, haków w kolejności chromo. Glissando nakłada się w górę iw dół, umiejętność polega na umiejętności grania długiego, dwuipółoktawowego dźwięku, przesuwając się z ręki do ręki. Tego typu produkcja dźwiękowa nadaje się do łączenia fraz lub jako środek prezentacji. W szybkiej formie ta technika może być również wykonana (do dwóch oktaw).

Najpierw struna jest opuszczana, a następnie ręka naciska na nią, aby wytworzyć wibrację. Ta technika może być częsta lub nie, w każdym razie brzmi bardzo jasno w barwie. Specjaliści są w stanie stosować jednocześnie dwie techniki, stosować różne rodzaje ciosów, łączyć techniki. Trudno jest opanować kombinację teksturowanych wariacji z różnymi rękami. Wymaga to doskonałej koordynacji, umiejętności słuchania i połączenia tego wszystkiego z innymi funkcjami. Powyższe techniki służą do wykonywania kompozycji w różnych gatunkach i stylach.

Ze względu na swoje oryginalne brzmienie instrument ten stał się niejednokrotnie obiektem szczególnej uwagi kompozytorów. Muzyka pisana przez znanych autorów wymagała udziału cymbałów. Wśród nazwisk popularnych w ich środowisku można wyróżnić następujących kompozytorów, którzy częściej niż inni włączają do swoich kompozycji cymbały:

• Franza Lehara;
• Igora Strawińskiego;
• Franciszka Liszta;
• Claude'a Debussy'ego.

Napisali różnorodną muzykę, różniącą się stylami, epokami, nurtami, gatunkami. Są to nie tylko oryginalne utwory napisane specjalnie na talerze, ale także zaadaptowane klasyki: Beethovena, Mozarta, Vivaldiego, Bacha i innych. Nic dziwnego, że biblioteka nut dla tego instrumentu jest wspaniała, a zatem jest wielu muzyków, którzy stali się sławni w tej dziedzinie. Równie imponująca jest historia wykonawcza tego instrumentu.

• Szczur Aladar. Węgierski muzyk uznawany za jednego z najlepszych wykonawców ubiegłego wieku. To on zainspirował wielu kompozytorów do tworzenia utworów na nietypowy instrument. Otrzymał szereg prestiżowych nagród muzycznych. Dzięki Ratzowi popularyzacja instrumentu w pierwszej połowie XX wieku była bardzo aktywna.
• Erkela Franza. Wśród jego dokonań kompozytora z Austro-Węgier szczególne miejsce zajmuje pokaz cymbałów w orkiestrze opery. Dzięki niemu instrument został wykorzystany w wielu najlepszych utworach gatunku operowego.
• Józef Żdanowicz. Muzyk radziecki, którego osiągnięcia w dziedzinie muzyki są imponujące. Oprócz różnych tytułów za występy, odnosił sukcesy w innych dziedzinach. Jest autorem specjalistycznego podręcznika o muzyce, pomocy dydaktycznych.